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Van Gogh: l'hommage musical

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Ce week-end, j’ai eu l’occasion de visiter l’expo « Van Gogh au Borinage: la naissance d’un artiste » au BAM à Mons, une exposition que je vous recommande. C’est aussi l’occasion de revenir sur quelques titres rock rendant hommage à l’artiste…

Van Gogh au Borinage : la naissance d'un artiste

Comme son nom l’indique, l’expo se focalise sur une période formative pour l’artiste durant laquelle il va s’inspirer de la misère qui règne alors au Borinage pour se lancer premièrement dans le dessin, puis dans la peinture. A travers des documents (lettres échangées avec son frère), des premiers croquis et des toiles, on se plonge dans l’état d’esprit de cet artiste torturé, à la recherche de son style. Dans ce musée, vous ne trouverez  pas les plus célèbres œuvres de l’artiste, mais cette exposition est une excellente introduction pour une visite du musée Van Gogh d’Amsterdam. A conseiller aussi, une visite accompagnée par un guide qui permettra aux plus novices de mieux décoder les différentes étapes de la carrière du peintre.

Mais revenons au sujet musical qui nous occupe ici. Quelques artistes ont souhaité rendre hommage, à leur façon, au génie de Van Gogh. En voici une sélection:

  •  Don McLean – Vincent (1971)

Le « folker » américain Don McLean publie un très bel hommage à Vincent Van Gogh. Baptisé simplement « Vincent », sur son célèbre album « American Pie », sur lequel figure la non moins célèbre plage titulaire, hommage elle à Buddy Holly. Interviewé pour le Telegraph en 2010, Don Mclean se souvient : « J’étais assis dans la véranda un matin et j’étais en train de lire la biographie de Van Gogh, et, tout d’un coup, j’ai su que je devais écrire un titre pour prouver qu’il n’était pas fou. Il était atteint d’une maladie comme son frère Theo (…). Donc je suis mis à écrire les paroles du titre sur un bout de papier »

Extrait des paroles (traduction en français) :

« Je comprends maintenant ce que tu as essayé de me dire,
Combien tu as lutté pour ne pas perdre l’esprit, 
et comment tu as tenté de les libérer.
Ils refusaient de t’écouter, 
Ils ne savaient pas comment faire
Peut-être le feront-ils maintenant.

Nuit, nuit étoilée,
Des fleurs éclatantes (couleur feu) qui resplendissent,
Des nuages tourbillonnants en brume violette
se reflètent dans les yeux bleu de Chine de Vincent »

  • Bob Dylan – Positively Van Gogh (1966)

En 1966, Bob Dylan joue ce très bel hommage à Van Gogh dans un petit appartement de New York en compagnie de son ami, le critique musical Robert Shelton. Malheureusement, le titre ne sera jamais réellement terminé et ne sortira pas officiellement.

  • Jonathan Richman – Vincent Van Gogh  (2004)

Originaire de la scène musicale de Boston, Jonathan Richman se fait connaitre comme leader des Modern Lovers, un des groupes fondateurs du punk, épaulé par John Cale du Velvet Underground. Par la suite, Richman poursuit une brillante carrière solo en construisant ce personnage mélangeant une pointe de naïveté à une forte dose de romantisme et de rock attitude. Après avoir chanté Pablo Picasso (qui sera repris bien plus tard par David Bowie en 2003) à l’époque de Modern Lovers ou Vermeer en 2008, il chante Van Gogh en 2004 sur son album « Not So Much to Be Loved as to Love ». A noter que Jonathan Richman avait déjà enregistré une version de ce titre bien plus tôt en compagnie des Modern Lovers.

Extrait des paroles (traduction en français):

« Avez-vous déjà entendu parler du peintre Vincent Van Gogh?
Qui aimait la couleur et qui le montrait
Ici, dans le musée, que peut-on voir?
Le peintre le plus redoutable depuis Jan Vermeer
Il aimait, il aimait, il aimait tellement la vie
Ses peintures ont deux fois plus de couleurs que celles des autres
Tellement, tellement plus que de couleur que le monde doit savoir
Que l’homme aimait la couleur et le montrait

  • Joni Mitchell – Turbulent Indigo (1994)

La folkeuse Joni Mitchell rend hommage à Van Gogh sur son album « Turbulent Indigo » et particulièrement sur la plage titulaire. A noter que le pochette de l’album, que vous pouvez voir ci-dessous, est un pastiche d’un des fameux autoportraits de Van Gogh.

Mais aussi:

 

L’expo « Van Gogh au Borinage : la naissance d’un artiste » est accessible au BAM dans le cadre de Mons 2015, jusqu’au 17 mai. A voir !

 

 

 

 

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Edgar Froese (Tangerine Dream) s'en est allé …

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Edgar Frose, musicien berlinois et l’un des pionniers de la musique électronique planante, s’est éteint le mardi 20 janvier à l’âge de 70 ans. Pour lui rendre hommage, retour sur 3 albums majeurs de la carrière de Tangerine Dream

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  • Phaedra (1973)

 

phaedra

 

« Phaedra » est un monument de la musique électronique et du courant « Krautrock ». Sans concession, l’album nous emmène dans un voyage spatial hypnotique à souhait. Un must.

Ci-dessous la plage titre d’une durée de plus de 17 minutes:

 

 

  • Stratosfear (1976)

stratosfear

 

 

Plus accessible, « Stratosfear » marque le début d’un seconde époque pour Tangerine Dream. Un retour aussi à une structure de titre plus « classique », toujours électronique mais  avec l’ajout du son guitare/basse/batterie et un aspect mélodique nettement plus prononcé.

 

 

  • Canyon Dreams (1991)

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Tangerine Dream, toujours actif dans les 90’s, signe l’une de ses nombreuses BO de film. Ici la musique atmosphérique de la formation allemande correspond très bien aux images de ce film/documentaire consacré au Grand Canyon.

 

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Imagine: Nous sommes (ou pas) Charlie

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Quelle semaine… Une semaine qui nous a tous bouleversés. Depuis mercredi nous sommes en état de choc, la disparition brutale de la bande de Charlie l’Hebdo à Paris nous a profondément marqués, chacun à notre façon. Dans le milieu des médias, cette attaque d’une violence sans nom résonne particulièrement et a fait qu’il régnait une ambiance assez lourde ces quelques derniers jours.

Beaucoup de choses ont été dites, dessinées, commentées. Certaines sensées et justes, d’autres beaucoup moins. On le sait, cet événement tragique pourrait nourrir l’extrême-droite en Europe (et ailleurs) et nous devons être sur nos gardes. Réagir, oui, ne pas accepter, oui, défendre la liberté de la presse, bien entendu, mais ne pas tomber dans le piège de répondre à la violence par la violence.

Ban Ki-Moon, secrétaire générale de l’ONU, a déclaré être consterné par l’attentat contre la rédaction de Charlie Hebdo mais il  a aussi ajouté ce constat, très important : « Cette attaque vise à nous diviser, nous ne devons pas tomber dans le piège ».

Avec ce petit billet, je ne souhaite pas entrer dans ce débat  du « Je suis Charlie » ou « Je ne suis pas Charlie » qui fait rage actuellement sur la toile et les réseaux sociaux. Je vous propose simplement quelques éléments qui m’ont marqué dans ce déferlement d’information de tous styles qui ont circulé dans la presse ces derniers jours.

  • L’intervention de Coco, dessinatrice et survivant de l’attaque contre Charlie l’Hebdo, à la fin de l’émission 28 minutes sur Arte France. Coco qui tout comme Charb était chroniqueuse pour cette émission. Après le témoignage de Coco à la minute 37, un hommage est également rendu à Charb. Vous pouvez revoir ceci en vidéo en cliquant ici
  • On pouvait malheureusement s’en douter mais à la suite du drame, des délinquants haineux ont attaqués plusieurs lieux de culte musulmans un peu partout en France. Des dessins obscènes suivi d’un « Ich bin Charlie » ont été découverts jeudi matin sur le mur extérieur d’une mosquée en construction à Bischwiller dans le Bas-Rhin. Des croix gammées suivies d’une inscription « Charlie est vivant » ont été taguées sur la future mosquée de Liévin dans le Pas-de-Calais. Des têtes de cochons, des impacts de balles ailleurs, plusieurs mosquées ont été visées par des actes racistes les derniers jours.
  • De nombreux dessins et caricatures ont évidemment circulé les derniers jours en hommage à Cabu, Charb, Tignous, Wolinski... Les différentes « Une » des journaux du monde entier ont rendu hommage aux membres de l’équipe de Charlie Hebdo. Celle du quotidien britannique « The Independent » a particulièrement marqué les esprits. La voici.

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Mais pendant ces heures d’attente, d’angoisse, d’incompréhension, je n’ai pas pu m’empêcher de penser à John Lennon et au paroles de son chef d’oeuvre « Imagine ».

Pour ceux qui ne se souviennent pas des paroles, les voici, je vous laisse traduire.

Imaginer, rêver, espérer vivre dans un monde en paix dans lequel tous les peuples du monde vivraient en harmonie… c’est ce qui permet de vivre, non?

« Imagine there’s no heaven
It’s easy if you try
No hell below us
Above us only sky
Imagine all the people
Living for today…

Imagine there’s no countries
It isn’t hard to do
Nothing to kill or die for
And no religion too
Imagine all the people
Living life in peace…

You may say I’m a dreamer
But I’m not the only one
I hope someday you’ll join us
And the world will be as one »

(extrait d’Imagine, John Lennon, 1971)

 

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Coups de cœur 2014

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Voici un bref aperçu de mes coups de cœur musicaux 2014:

Sorties albums

 

  • Temples : « Sun Structures » (février 2014)

 

temples

 

Surfant entre british attitude qui n’est pas sans rappeler les Kinks et rock psychédélique façon 60’s, ce groupe britannique prometteur a reçu le soutien de Noel Gallagher (Oasis) ou encore de Johnny Marr (The Smiths)

Retrouvez mon interview avec James Edward, leader du groupe.

 

  • Metronomy: « Love Letters » (mars 2014)

loveletters

Digne successeur de l’excellent « English Riviera » (2011), « Love Letters » nous montre un groupe au sommet de son art. Entre son pop électro d’aujourd’hui et touches rétro façon Motown. Une réussite!

Retrouvez mon interview avec Joseph Mount, leader du groupe

  • Damon Albarn: « Everyday Robots » (avril 2014)

everydayrobots

 

Après Blur dans les 90’s, Gorillaz dans les 2000’s, Damon Albarn entame se lance dans les années « 10 » en solo avec l’excellent « Everyday Robots« . Son sens de la mélodie « catchy » est toujours ici très présent et l’ensemble est porté par des sonorités très modernes qui nous prouve à nouveau sa capacité à rester profondément ancré dans son époque.

  •  Morrissey « World Peace Is None of Your Business » (juillet 2014)

worldpeace

Retour d’un Morrissey toujours très inspiré et militant malgré d’important problèmes de santé.

 

  • Pink Floyd « The Endless River »

thendlessriver

On s’attendait au pire après l’annonce en début d’année d’un nouvel album de Pink Floyd constitué de « chutes de studio » de l’album « Division Bell » (1994). Mais ce que l’on retrouve ici est un agréable surprise: un très bel hommage principalement instrumental au regretté Rick Wright avec des éléments qui nous ramènent à l’époque des classiques « Wish You Were Here » (1975) et « Atom Heart Mother » (1970). Peut être pas le meilleur album du groupe mais un belle façon de refermer l’histoire du groupe.

 

 Rééditions

 

  • Velvet Underground: « The Velvet Underground » (1969)

velvetundergrounddeluxe

 

Très belle réédition du troisième album du Velvet Underground. Le plaisir de retrouver des standards tels que « Pale Blue Eyes », « Jesus », « Candy Says » et « What Goes On ». Une version « super deluxe » dans la digne lignée de celle sortie il y a 2-3 ans pour l’album « Velvet Underground & Nico », une multitude de démos intéressantes et un superbe livre avec des photos très rares.

 

  • Elton John – Goodbye Yellow Brick Road (40th anniversary)

goodbyeyellowbrickroad40th

 

 

Une réédition plus que complète de ce chef d’oeuvre d’Elton John sorti en 1973. Le coffret est non seulement très soigné et très beau mais son contenu est particulièrement intéressant. En plus de l’album original ainsi que des faces B et autres raretés, on retrouve un double CD live d’Elton John capturé à l’Hammersmith Odeon en 1973 ainsi qu’un documentaire DVD qui nous raconte toute l’histoire de la réalisation de cet album. Un must!

 

 

 

 

 

 

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Et mon morceau de Noël sera …. "It's Gonna Be Me" de David Bowie

Coups de coeur

Hello,

Juste envie de partager un petit moment de bonheur musical avec vous.

Tout à l’heure, en faisant mes courses de Noël, je réécoutais l’album « Young Americans » de David Bowie, un des mes favoris de sa discographie.

David Bowie en 1975 à l'époque de la sortie de "Young Americans" (ici en compagnie d'Ava Cherry)
David Bowie en 1975 à l’époque de la sortie de « Young Americans » (ici en compagnie d’Ava Cherry)

Je suis retombé sur « It’s Gonna Be Me », un titre que j’avais un peu oublié et qui n’était pas sorti sur la version originale de l’album en 1975 mais bien en bonus track de la réédition 1991 et 2007. J’avoue ne pas être un fanatique des « bonus tracks », il faut avouer qu’on est très souvent déçu par ces « chutes de studio ». Mais ici, c’est tout le contraire, et on se demande même pourquoi Bowie n’a pas intégré cette merveille sur la première version de « Young Americans ».

Quoiqu’il en soit, je vous invite à réécouter ce titre et je trouve qu’il correspond très bien à l’atmosphère festive de cette fin d’année.

Keep on Rockin et joyeux Noël à toutes et à tous,

Laurent

 

 

 

 

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Mon nouveau livre : Lou Reed. On the Wild Side

Livres

Le 27 octobre 2013, Lou Reed s’éteignait brusquement. Il nous laisse une oeuvre exigeante, révolutionnaire sur bien des aspects. Près de 50 ans d’une carrière sans concessions l’ont porté parmi les plus grands de l’histoire du rock.

J’ai souhaité rendre hommage à l’une de mes idoles et découvrir qui se cachait vraiment derrière cette image d’artiste cynique et froid qu’il incarnait si bien. Du Velvet Underground en 1967 à Lulu en 2011, mon livre retrace la genèse de chaque album. Les témoignages des proches, qu’il a côtoyés à différentes étapes de sa carrière, laissent entrevoir une toute autre facette de Lou Reed.

Album par album, on découvre un artiste en permanente évolution. Si Lou Reed n’a jamais avoué l’aspect autobiographique de son oeuvre, on se rend compte que finalement à chaque chapitre de son histoire, album après album, il finit par se dévoiler. Derrière un visage très dur et fermé, derrière ce « wild side », c’est un être humain sensible, délicat et extrêmement subtil qui se cache.

« Lou Reed: On The Wild Side » (éditions La Renaissance du Livre) disponible en Belgique dès le 16 octobre et en France et au Québec dès le 23 octobre dans toutes bonnes librairies ainsi qu’en ligne.

Lou Reed. On the Wild Side.

 

Renaissance du Livre • 15 x 23 cm • ISBN 9782507052416 • Nombre de pages : 176 • 19,00 euros

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Interview avec Joseph Mount de Metronomy (avril 2014)

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J’ai eu le plaisir de rencontrer Joseph Mount, le fondateur et compositeur du groupe anglais Metronomy. Très relax – et fatigué – il m’a reçu dans les coulisses de l’Ancienne Belgique, quelques heures avant le début du concert archi sold out dont vous pouvez retrouver ma review et les photos ici.

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Joseph portait un beau survet, très différent de son costume de scène…

1)      Ce qui m’a frappé à la première écoute de ce nouvel album c’est l’importance des chœurs sur celui-ci. Pouvez-vous m’expliquer votre démarche à ce propos lors de l’enregistrement ?

JM : Avec ce nouvel album, j’ai pensé qu’il serait bien d’avoir un groupe qui assure les chœurs sur les morceaux. J’ai toujours aimé les chœurs. Sur l’album précédent (« English Riviera »), il y en avait déjà beaucoup mais je me doublais moi-même ou Anna (Prior, la batteuse) en faisait également un peu. Mais sur cet album, je me suis dit que ce serait bien d’avoir de nouvelles voix, de nouvelles textures à ajouter à l’ensemble. Ça a apporté quelque chose et je me dis dit que c’était le bon moment de la faire.

 

2)      Une question à propos du concept de cet album « Love Letters ». On ressent une certaine nostalgie avec des titres parfois assez tristes… Quelle était votre idée lorsque vous avez commencé à travailler sur ce nouvel album ?

JM : J’ai commencé à travailler sur cet album sans avoir un concept. L’idée originelle pour cet album était de l’enregistrer dans un studio analogique et de le réaliser à l’ancienne. Et je pense que ça lui a donné cet aspect assez 60’s. Mais il n’y avait vraiment pas de concept au départ. Notre vie dans le groupe a été essentiellement consacrée à tourner un peu partout durant les deux dernières années. Mon expérience de vie a donc été assez limitée et je ne pouvais rien en tirer pour l’écriture. Je pouvais parler du fait de voyager, de communiquer… mais ce n’est qu’à partir du moment on l’on a regroupé quelques idées et que le titre « Love Letters » est apparu que j’ai réellement senti que quelque chose se passait. La seule idée solide au départ était d’enregistrer en analogique…

 

3)      Et quand ça s’est développé par la suite … parce que quand on écoute l’album du début à la fin, il y a réellement un concept…

JM : Oui, d’une certaine façon. Mais ce n’est pas quelque chose que j’ai voulu spécialement, ça c’est fait tout seul et ça s’est fait plutôt bien je pense.

 

4)      C’est votre second album avec le nouveau line-up du groupe, celui qui vous appelez vous-même Metronomy 2.0. Comment pouvez-vous décrire l’ambiance en studio durant l’enregistrement de « Love Letters » ?

JM : C’était différent, il y a avait différentes configurations. Il y avait des sessions plus « électro » durant laquelle Oscar (Oscar Cash, collaborateur de Joseph Mount depuis 2008) et moi travaillions sur nos équipements. Et puis il y avait des sessions plus « fun » quand nous enregistrions tous ensemble. Vous savez quand vous enregistrez avec cet ancien matériel analogique, l’idée est d’enregistrer un morceau en entier en une seule prise et c’était très amusant à faire. Et l’atmosphère était toujours très relax. C’est véritablement dans ce genre d’ambiance que je veux produire un album, une ambiance relax, un album comme cela doit être enregistré dans de telles conditions. Et c’était vraiment bien.

Metronomy, from left, Joseph Mount, Anna Prior, Gbenga Adelekan and Oscar Cash
Metronomy : Joseph Mount, Anna Prior, Gbenga Adelekan et Oscar Cash

 

5)      Et l’enregistrement a pris combien de temps en tout ?

JM : Ca s’est étalé sur plusieurs mois, mais si l’on devait faire une estimation condensée du temps que ça a pris, je dirais que ça a véritablement pris 2 mois et demi. Plutôt bien et court … Oui, ça pourrait être plus court (rires)

 

6)      Mais peut-être pas pour ce genre de musique …

JM : Effectivement, je pense que non …

 

7)      C’est de la musique très produite …

JM : Oui, oui, il faut du temps …

 

8)      Sur l’album précédent, « English Riviera », il y avait une espèce de touche très pop 70’s, un peu à la Fleetwood Mac. Ici sur « Love Letters », le son est peut-être un peu moins précis avec ici un aspect plus Motown. Comment pouvez-vous décrire le son de « Love Letters » ?

JM : Le son est très … très simple. L’idée était que ça devait sonner très simple et minimaliste. Le fait d’enregistrer en analogique a également influencé le son. J’essayais d’obtenir ce son et cette atmosphère très 60’s. J’ai écouté beaucoup de choses durant la réalisation de l’album. Je pensais à la façon dont les musiciens de la Motown ou encore les Beatles enregistraient à l’époque. Ça a été une source d’influence effectivement.

Metronomy-Love-Letters
Love Letters

 

 

9)      Je voulais savoir… quel a été le déclencheur de votre passion pour la musique quand vous étiez enfant ? Avez-vous été inspiré par un artiste, un groupe en particulier ?

JM : Non, ce n’est pas arrivé comme ça. Le point de départ, ça a été la batterie. Je n’étais pas encore vraiment fan de musique mais je cherchais quelque chose d’amusant à faire, je jouais au football aussi, mais je ne trouvais rien d’aussi gratifiant que de jouer de la batterie, de la musique. Je ne me suis jamais dit en voyant quelqu’un à la télévision : « oh, j’aimerais être célèbre comme lui ». Je jouais de la batterie et c’était génial. J’avais 10 ans…

10) Et finalement, je sais que vous êtes très fan des productions léchées. Quel est pour vous l’album le mieux produit de l’histoire?

JM: Mmm…. ce serait quelque chose de Stevie Wonder c’est certain… (il réfléchit longuement). Je dirais « Fulfillingness’ First Finale ».

 

fulfillingnessfirstfinale

 

Quelques clips pour découvrir le groupe :



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Metronomy à l'AB le mercredi 2 avril 2014

Concerts

Metronomy ne cesse de grandir depuis 2-3 ans. La sortie de The English Riviera, excellent troisième album de la formation en 2011, une véritable merveille mélangeant habilement modernité et ambiance pop-rock 70’s, en avait séduit plus d’un. Mercredi soir, à l’AB, Metronomy présentait son nouvel album, Love Letters, digne successeur d’English Riviera avec cette fois un parfum Motown assumé.

Metronomy - Love Letters tour - 4/2/2014 by Anicée Salvador
Metronomy joue Love Letters (photos : Anicée Salvador)

Le concert était sold out depuis déjà pas mal de temps et, devant la salle, certains auraient bien vendu leur âme pour se procurer le précieux sésame. Après une première partie assurée par le quatuor britannique Woman’s Hour, Metronomy entre sur scène avec Monstrous, un très bon extrait du nouvel album. On sent le public très réceptif mais encore un peu timide.

Metronomy live - photo Anicée Salvador
Joseph Mount et Anna Prior

Après deux autres extraits de Love Letters, le groupe entame The Look, gros single de l’album précédent. L’ambiance est installée.

Metronomy évolue dans un décor très vintage, composé de nuages en carton, qui pourrait nous rappeler notre tendres années « Barbapapa » ou « Le village dans les nuages ».

Si Joseph Mount est le maître de cérémonie, on peut compter également sur la forte présence du bassiste Olugbenga Adelekan, roi du groove et celle de la batteuse rouquine Anna Prior, dont les rythmes métronomiques pourraient nous rappeler ceux de Moe Tucker du Velvet Underground. 

Gbenga Adelekan
Gbenga Adelekan

Oscar Cash et Michael Lovett sont également de la partie, jouant de différents instruments et proposant quelques danses très à propos.

Oscar Cash from Metronomy live in Brussels (photo Anicée Salvador)
Oscar Cash

En plus de jouer de nombreux extraits d’English Riviera et de Love Letters, le groupe revient aussi pour quelques titres sur le plus électro (et moins connus du grand public) : Nights Out. Holiday, Radio Ladio ou encore Heartbreaker connaissent une seconde jeunesse dans des versions plus rock que sur l’album.

Metronomy s’amuse beaucoup sur scène et c’est extrêmement communicatif. Le public est réceptif et Joseph Mount ne manque pas de le remercier. Au milieu du concert, on assiste à un moment particulièrement touchant.

Joseph Mount live 2014 (photo : Anicée Salvador)
Joseph Mount

Après avoir joué un titre, le groupe reçoit un tonnerre d’applaudissements. Alors que les musiciens s’apprêtent à entamer un autre titre, le public entame une seconde salve d’applaudissements improvisée, laissant Metronomy sans voix. Mount est visiblement très ému.

Le concert se termine en triomphe sur le très beau et délicat The Most Immaculate Haircut, en troisième titre après le rappel. Le public espère un second rappel, cela aurait été une première pour la tournée mais ça n’aura malheureusement pas lieu.

On garde un excellent souvenir de ce concert. Pour ma part, je me souviens d’une discussion partagée avec Joseph Mount avant le concert alors que je réalisais son interview. Je lui demandais s’il ressentait une connexion particulière avec la Belgique. Même s’il m’avoue ne pas avoir eu le temps de visiter Bruxelles ou de goûter notre impressionnante carte de bières, il se souvient très bien de ses précédents passages chez nous et du moment où le groupe est passé de la petite à la grande salle du Botanique, quelque chose qu’il n’aurait jamais imaginé.

Ce soir-là, les membres de Metronomy étaient les rois de l’AB et seront peut-être prochainement les rois de Forest National, qui sait ?

Retrouvez mon interview avec Joseph Mount de Metronomy (avril 2014) et les photos du concert ici.

 

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Interview de James Edward Bagshaw, leader de Temples et sortie de l'album "Sun Structures"

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Je me suis rendu à Londres il y a quelques jours et, à la vitrine de tous les bons disquaires, est mis en avant un album : « Sun Structures » des Temples. Originaire de Kettering (Northamptonshire), le groupe de rock psychédélique a vu le jour en 2012 et aujourd’hui il est considéré comme l’une des meilleures formations britanniques par Noel Gallagher ou par l’ex-Smiths, Johnny Marr. Rencontre avec James Edward Bagshaw, chanteur, guitariste et co-compositeur de l’ensemble des titres avec le bassiste Thomas Warmsley.

sunstructures

 1) Quelques mots sur la création du groupe ?

JB : En fait, au début, ce n’était pas prévu que ce projet devienne véritablement un groupe.  C’était juste Thomas et moi et on échangeait des idées, des idées à propos de morceaux. Et puis on a fini par enregistrer 4 titres nous-mêmes, chez nous. Et puis on les a mis en ligne. Et donc, on a dû donner quelques concerts et c’est ainsi que le groupe – tel que l’on le connait aujourd’hui – a pris forme.

2)  En combien de temps avez-vous enregistré ce premier album « Sun Structures » ?

JB : L’album a été enregistré sur une période d’un an parce qu’au même moment, on n’arrêtait pas de tourner. Si nous n’avions pas autant donné de concerts, cela aurait pris maximum 3 semaines. Mais, là, avec notre agenda de concerts, ça s’est étalé sur une année entière. Finalement ça a donné à l’album un peu d’air… On avait le temps de faire évoluer les titres, il y a des choses inconscientes qui se produisaient lorsque l’on tournait et qu’on était sur la route et puis, en studio, avant d’enregistrer un morceau on se disait « pourquoi n’essayerait-on pas de faire ceci ou cela… ? ».

3)   Un mot sur vos influences musicales. Il est évident – à l’écoute de l’album – que vous avez été influencé par le rock psychédélique des années 60…

JB : Oui et aussi nous aimons la musique classique, Chopin… mais aussi les musiques de film, particulièrement ce qu’a fait John Barry. Une autre source d’inspiration est l’album « Days of Future Passed » des Moody Blues qui a proposé un très bon métissage entre instrumentation classique et pop music avec le travail de musiciens classiques qui jouent très bien, parfois trop même. Evidemment, nous ne disposions pas d’un orchestre classique pour nous accompagner et donc l’album a été écrit avec les limites qui nous ont été imposées. Par exemple,  l’usage d’un mellotron. Mais ça nous a permis de ne pas nous prendre la tête sur certaines orchestrations et ainsi de ne pas perdre l’essence de ce qu’on voulait faire.

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Le mythique « Days of Future Passed » (1967) des Moody Blues, grande influence pour Temples

4)  J’ai vu une vidéo sur Youtube sur laquelle on peut vous voir enregistrer une reprise du Waterloo Sunset des Kinks sur une chaine de radio française.  C’est une très belle version. Que pouvez-vous me dire à propos des Kinks, de Ray Davies, et de leurs influences sur votre musique, sont ils importants pour vous?

JB : Oui, aux côtés d’autres grands groupes britanniques qui dressent un portrait « British » dans leurs musiques. Ce côté excentrique… Ray Davies écrit non seulement de très belles paroles poétiques… lui et Dave Davies, tout cela sonne très anglais. Et si vous êtes anglais, vous avez ce côté presque musicalement patriotique en vous… Vous savez les Kinks, les Beatles, T.Rex, Bowie, Eno… Toutes ces personnes ont ce côté unique, excentrique et une façon très « british » de proposer de la musique.

 

5)   Quand vous étiez enfant, comment avez-vous découvert toute cette musique formidable. Était-ce avec vos parents, vos amis… ?

JB : J’ai commencé assez jeune. Mes parents avaient de bons goûts en musique. Ils étaient surtout branchés par la Motown que j’apprécie beaucoup. Et puis Elvis, les Beatles. Mais je me souviens aussi qu’il détestait particulièrement Bowie et donc je me suis lancé dans une quête pour aimer Bowie …

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Lou Reed "Berlin" (1973)

Flashback,

Lors d’un récent séjour londonien, j’ai craqué pour l’achat d’un 33 tours dans une boutique de « collectors ». C’est un disque qui représente beaucoup pour moi et qui a accompagné mon adolescence. Il s’agit de l’album « Berlin » de Lou Reed qui a tourné en boucle à l’époque mais que je n’avais plus pris le temps d’écouter depuis un moment. Et puis, de retour de vacances, je me suis fait un petit plaisir. J’ai déposé ce pressage original RCA sur ma platine et j’ai particulièrement apprécie ce moment de redécouverte rempli d’images et d’émotions….

berlinvinylphoto

Il y a 12 ans environ, alors que je commençais ma collaboration avec Radio 21, je tenais un site baptisé « Classic-Rock.be » qui fonctionnait très bien et qui pouvait ressembler à ce que les blogs musicaux sont aujourd’hui, à part que le terme n’existait pas encore vraiment. J’ai retrouvé un archive d’un article que j’ai rédigé le 28 novembre 2002, j’avais envie de le partager avec vous…

Lou Reed
BERLIN (1973)jeudi 28 novembre 2002, par Laurent Rieppi 

berlinloureed

Berlin, une ville d’histoire, une ville de souffrance, une ville partagée. Nombres de musiciens sont venus chercher l’inspiration dans la tourmente de Berlin. Aux côtés de David Bowie, Iggy Pop ou de Nick Cave (un peu plus tard), l’un de ceux-ci consacrera un album à cette ville. Son nom est Lou Reed et il vient de New York…

 

Berlin sort en 1973, suite à l’immense succès de l’album« Transformer » (1972) produit par David Bowie (sur lequel figurent les célèbres Walk On The Wild Side et Perfect Day).

transformer
Avec Transformer, Lou Reed va enfin connaitre la reconnaissance du grand public grâce aux succès de Walk On The Wild Side et de la superbe ballade Perfect Day

Après sa dispute avec David Bowie, qui nous prouve encore une fois que la collaboration de deux esprits tourmentés et surdoués est souvent éphémère (rappellons nous du duo Reed/Cale au sein du Velvet Underground), il va s’associer à un autre grand producteur : Bob Ezrin, celui qui produira plusieurs albums d’Alice Cooper, dont le premier à connaître un grand succès, le splendide« Love It To Death » (1971).


Bob Ezrin produira de nombreux albums d’Alice Cooper et participera également très activement aux carrières des Pink Floyd et de Peter Gabriel.

Berlin se voudra un album conceptuel, très sombre et déprimant, une peinture très réaliste d’un couple de junkies survivant dans la ville. Un album que l’on pourrait qualifier de « Sgt Pepper Noir ». Une histoire racontée en musique, au travers des 10 titres que comporte l’album. Lou y dévoile la vie abominable de Caroline et de son violent compagnon.

Au fur et à mesure de l’album, on voit Caroline tomber par terre et se relever à plusieurs reprises suite aux violences psychologiques de la vie et aux violences physiques que lui inflige celui qui partage sa vie. Caroline se prostitue pour survivre et pour acheter de la drogue, on lui reprend ses enfants puisqu’elle est alors considérée comme une mauvaise mère. Lou Reed parle du surnom que les amies de Caroline lui donnent, « Alaska », en enchaînant pour terminer la chanson «  Caroline Says II  » (probablement le titre le plus poignant de l’album ) par un It’s so cold in Alaska (Il fait si froid en Alaska) très lourd de sens. Une froideur acquise après tellement de coups de couteau, une vie d’écorchée vive (Lou Reeds’inspirera d’éléments de sa propre expérience) qui se terminera sur les derniers titres de l’album par le suicide de Caroline.

Pour l’accompagner sur cet album, Lou Reed va réunir le gratin de la scène britannique ; parmi celui-ci, Dick Wagner et Steve Hunter aux guitares, ainsi que Tony Levin à la basse (un trio de musicien que l’on retrouvera dans des albums d’Alice Cooper et dePeter Gabriel) ; Steve Winwood sera également présent aux orgues.

L’album, qui devait être à l’origine un double, sera jugé trop ambitieux par la maison de disque RCA et sortira finalement en simple disque.

Berlin ne connaîtra pas le succès de Transformer, un peu comme si le public voulait se préserver d’un album trop vrai et quelque part trop pessimiste, ce qui plongera Lou Reed dans un état de dépression encore plus important.

Lou Reed s’est mis à nu et la réponse espérée de l’audience n’arrive pas. L’album se vend, malheureusement la reconnaissance du grand public n’est pas là. Elle viendra cependant avec le temps, l’album étant considéré, avec le recul nécessaire pour mieux l’aborder, comme le chef d’œuvre absolu de la carrière de Lou Reed par nombre de critiques ainsi que par les fans de l’artiste.

 

Titres de l’album :

-  1.   Berlin
-  2.   Lady Day
-  3.   Man of Good Fortune
-  4.   Caroline Says 1
-  5.   How Do You Think It Feels
-  6.   Oh, Jim
-  7.   Caroline Says-II
-  8.   The Kids
-  9.   The Bed
-  10.   Sad Song

 

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