« Le Rock’n’roll est la plus brutale, la plus laide, la plus desespérée et la plus vicieuse des formes d’expression que j’ai eu le malheur d’entendre »
Frank Sinatra
Archives mensuelles : septembre 2011
Sorties albums: Velociraptor, une bonne surprise que ce quatrième album de Kasabian …
Les membres de Kasabian se définissent depuis leurs débuts comme les dignes successeurs des Who, des Stones ou encore des Beatles. Ce quatrième album « Velociraptor! » est probablement leur plus inspiré. Loin de nous faire un simple « copier-coller » de la musique de leurs idoles, ils nous livrent ici un album d’une modernité exemplaire mais avec des références 60’s évidentes…
Kasabian a vu le jour en 1999 dans le Leicestershire, 5 ans plus tard débarque « Kasabian », leur premier album. Interrogé lors de la sortie de cette première oeuvre, le groupe se plaignait du manque de créativité de la scène rock du début des années 2000. Sergio Pizzorno, guitariste et principal compositeur de la formation, expliquait alors au Daily Telegraph: « Le Rock’n’roll a perdu son imagination. La musique Dance a eu de l’imagination, mais elle n’a pas d’âme. Donc on a essayé de combiner les deux, pour que ça reste intéressant. Brian Wilson (des Beach Boys) a dit un jour: ‘Ne vous arrêtez jamais à une chanson. La chanson fait partie de l’ensemble mais il y a un monde tout autour’. C’est la même chose avec un album comme ‘Revolver’ des Beatles. Si vous avez une chanson et que tout la monde la chante avec vous, c’est super. Mais après, libre à vous d’en faire ce que vous voulez, de la faire évoluer. On peut faire ce que l’on veut en studio maintenant, c’est ça qui est excitant ». En relisant ces quelques lignes et en écoutant « Velociraptor! », on peut dire que Kasabian est resté fidèle à ses préceptes initiaux. Si « Let’s Roll Just Like We Used to Be », le superbe « La fée verte » (et son hommage évident aux Beatles : « I see Lucy in the sky telling me I’m high ») ou encore « Acid Turkish Bash (Shelter from the Storm) nous proposent une approche plutôt « psychérock », des titres comme « Velociraptor », « I Hear Voices » ou « Switchblade Smiles » s’aventurent sur un terrain plus « psychédance » qui peut nous rappeler les Chemical Brothers. Mais, ce qui fait le succès de cet album, c’est que Kasabian maitrise parfaitement bien cette influence »psychédélique »: ici il n’est pas question de nous sortir un morceau de 15 minutes écrit sous influence et de nous le vendre du genre « vous avez vous, c’est psyché non? ». Non, ici les titres sont accrocheurs, élégants et extrêmement bien produits, ce qui nous donne un album certes influencé par les « maîtres » mais n’en étant pas moins pour autant profondément ancré dans son époque, c’est à dire en 2011.
Cote: 4/5
Key Tracks/A télécharger sur Itunes pour se faire une idée:
- Let’s Roll Just Like We Used To Do
- Days Are Forgotten
- La Fee verte
- Velociraptor
- Re-Wired
Les 5 albums essentiels de … David Bowie
Nouvelle rubrique qui vous permettra de redécouvrir ou découvrir la carrière d’un grand artiste. Aujourd’hui, c’est David Bowie qui est à l’honneur. Alors, bien entendu, un TOP 5 est toujours subjectif mais pour essayer de me rapprocher d’un point de vue plus global, je me baserai sur mon appréciation ainsi que sur celle de la plupart des critiques rock à travers le monde … Bonne lecture…
- 1) The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)
Peut-être pas le meilleur album mais certainement le plus emblématique de celui que l’on appelle souvent le « caméléon de la musique ». « The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars » va marquer profondément son époque et engendrer une véritable Bowiemania (ou « Ziggymania ») en Angleterre. L’album s’impose, dès sa sortie, comme l’un des albums piliers du « glam-rock », courant musical et artistique qui avait été lancé un peu plus tôt par l’ami de David Bowie, Marc Bolan et son groupe T.Rex.
Keytracks/à télécharger sur iTunes pour se faire une idée :
- Five Years
- Moonage Daydream
- Ziggy Stardust
- Rock’n’Roll Suicide
- 2) Hunky Dory (1971)
Album qui précède de quelques mois la « Ziggymania » et qui passera relativement inaperçu à sa sortie avant d’être redécouvert avec délice par la suite, « Hunky Dory » est indubitablement l’un des chefs d’oeuvres de Bowie. Ce dernier rend ici hommage à plusieurs de ses idoles : Bob Dylan (sur « Song for Bob Dylan »), Andy Warhol sur le titre du même nom ou encore Lou Reed et le Velvet Underground (sur « Queen Bitch »). Mais c’est surtout grâce à cet album que l’on se rend compte de l’énorme talent de ce jeune songwriter avec des titres d’une maturité exemplaire tels que « Bewlay Brothers », « Life on Mars » ou encore « Changes ». Tout jeune papa, Bowie en profitera également pour rendre hommage au petit ‘Zowie’ Duncan Jones (sur « Kooks ») qui, bien plus tard, deviendra un nouvel espoir du 7ème art et réalisera le très bon « Moon ».
Keytracks/à télécharger sur iTunes pour se faire une idée :
- Changes
- Oh! You Pretty Things
- Life On Mars
- Quicksand
- Queen Bitch
- The Bewlay Brothers
- 3) The Man Who Sold The World (1970)
Trop méconnu, cet album mérite franchement le détour. A l’époque de l’enregistrement de cet album, David Bowie, Mick Ronson (guitare), Tony Visconti (basse, production) et Mick Woodmansey (batterie) vivent ensemble dans un appartement: il reste encore ici quelques traces de l’esprit « hippie » qui est alors en train de disparaître… On ressent cet aspect « communautaire » dans cet album qui est certes signé David Bowie mais mis en boite par un groupe soudé, uni et absolument brillant. Les musiciens aussi bien influencés par Cream que par Black Sabbath et Led Zeppelin nous livrent ici un album fondateur qui influencera considérablement Robert Smith des Cure, Siouxsie Sioux de Siouxsie and the Banshees, Trent Reznor de Nine Inch Nails ainsi que, bien entendu, Kurt Cobain qui signera une magnifique reprise de la plage titulaire sur l »Unplugged » de Nirvana. A noter aussi sur la présence de « All The Madmen », un des rares hommages de David Bowie à son demi-frère Terry qui souffrait de schizophrénie.
Keytracks/à télécharger sur iTunes pour se faire une idée :
- The Width of a Circle
- All The Madmen
- Saviour Machine
- The Man Who Sold The World
- The Supermen
- 4) Aladdin Sane (1973)
La « suite » des aventures de Ziggy Stardust est un album certes moins accessible que l’oeuvre originale mais nettement plus aventureux. L’ajout du claviériste Mike Garson au sein des Spiders from Mars vient rajouter un grain de folie et quelques touches de jazz d’avant-garde qui se marient parfaitement bien à l’ensemble. Le ton est plus « dramatique » que jamais et chaque titre nous fait voyager dans des ambiances très particulières comme les superbes « Time » et « Lady Grinning Soul » et leur ambiance cabaret, « Cracked Actor » et son aspect « proto-punk », « Aladdin Sane » et sa folie furieuse à peine contrôlée ainsi que, bien entendu, le classique « The Jean Genie » que l’on ne présente plus.
Keytracks/à télécharger sur iTunes pour se faire une idée :
- Watch That Man
- Aladdin Sane
- Cracked Actor
- Time
- The Jean Genie
- Lady Grining Soul
- 5) Low (1977)
Premier volet de la très osée « Trilogie Berlinoise » de David Bowie, « Low » a en fait été enregistré en France au Chateau d’Hérouville, là ou T.Rex, Elton John ou encore Pink Floyd enregistreront quelques uns de leurs classiques. Seul le mixage a été réalisé au studio Hansa, légendaire studio dans lequel il pouvait régner une ambiance très spéciale puisqu’on pouvait y observer le mur et le garde gardant l’accès à l’est lorsque l’on y travaillait. Très inspiré par le « Krautrock » défendu par des formations allemandes telles que Kraftwerk, Neu! ou encore Can, « Low » sera une prise de risque considérable pour David Bowie qui se lance dans des expériences beaucoup plus électroniques…
Keytracks/à télécharger sur iTunes pour se faire une idée :
- Breaking Glass
- Sound and Vision
- Always Crashing in the Same Car
- Be My Wife
- Warszawa
Autres albums à réécouter/découvrir:
- « Heroes » (1977) – « Lodger » (1979), soit les deux autres volets de la trilogie berlinoise
- « Diamond Dogs », l’hommage de Bowie au « 1984 » de George Orwell
- « Young Americans » (1975) et « Station to Station », quand Bowie se la jouait « soul »
- « Space Oddity » (1969), Bowie complètement folk
- « Scary Monsters » (1980), le dernier album de l’époque « classique »
- « Let’s Dance » (1984), Bowie en mode « Chic »
- « Outside » (1995), la renaissance
- « Earthling » (1997), Bowie goes jungle …
A éviter (sauf pour les « archifans »)
- « Tonight (1984) », « Never Let Me Down » (1987)
R.E.M. se sépare… pour mieux revenir?
Après 31 ans de carrière et 15 albums, R.E.M. a décidé de mettre un terme à sa carrière. Effet d’annonce pour mieux revenir ou dure réalité? L’avenir nous le dira …
Si le nom d’R.E.M. évoque tout de suite chez chacun d’entre nous des classiques tels que « Everybody Hurts », « Shiny Happy People », « Losing My Religion », « Man on the Moon », on a parfois tendance à oublier que ce groupe formé en 1980 à Athens, Géorgie, a, avant de devenir ce groupe « megastar », pas mal ‘galéré’ et était, pendant ses 5-6 premières années d’existence un groupe « underground » américain, certes de grande qualité mais qui ne vendait pas encore beaucoup de disques. Ce n’est qu’après avoir signé avec Warner pour son sixième album, « Green », que le groupe commencera à goûter au succès grand public. Cependant, pour surfer sur la nostalgie que va engendrer cette annonce, je ne peux que vivement vous conseiller d’écouter ou de réécouter les excellents albums que sont « Murmur », « Reckoning » ou encore « Document ».
Alors, maintenant, on est en droit de se demander si cette séparation est véritable ou s’il s’agit plutôt d’un effet d’annonce. En fait, si l’on lit le communiqué officiel proposé sur le site du Rolling Stone Magazine, on nous annonce que « le groupe a pour projet de sortir un best of plus tard cette année, best of qui comprendra une série de nouveaux titres enregistrés après les sessions de Collapse Into Now ». Tiens donc, comme ça tombe bien! Mmm… je suis mauvaise langue mais bon, une petite pause pendant 2-3 ans puis un petit retour? Allez, on peut y croire …
Une écoute super rapide du nouveau groupe de Mick Jagger: Superheavy …
En mai 2011, après quelques longs mois de silence, on avait enfin des nouvelles de Mick Jagger. Qu’allait-il se passer? Un nouvel album des Stones? Une tournée pour célébrer le 50ème anniversaire de la formation légendaire? Quelle surprise quand Jagger nous a annoncé la création d’un nouveau super groupe, baptisé « Superheavy », qu’il avait composé secrètement aux côtés de Joss Stone, Dave Stewart (Eurythmics), Damian Marley (un des fils de Bob) et du producteur indien A. R. Rahman. Alors, l’album est enfin entre mes mains. Ca donne quoi? Est-ce super, est-ce heavy? Bref aperçu après deux écoutes ….
Bon, à l’écoute de « Miracle Worker », le premier single qui avait été diffusé peu avant la sortie de l’album, on était prévenu, pas question que ce soit une sorte d’album des Stones avec des musiciens invités. Il s’agit bien d’une réelle collaboration, d’un groupe qui nous propose un étrange mélange de rock, de reggae, de ragga et de soul. La plupart des titres sont d’ailleurs signés par le collectif, mais la touche de Jagger est bien présente. Et le résultat? Ca sonne comme un disque dans lequel les musiciens prennent un réel plaisir et s’amusent… Nous? On est peu perturbé, les fans des productions habituelles de Jagger et des Stones risquent d’être décontenancés… Mais en même temps, Jagger n’a jamais caché son intérêt pour la musique groovy et le reggae. Peut être qu’un petit coup de pied dans la fourmilière était nécessaire et nous fera du bien? Et si on se laissait séduire par ce projet sur lequel on ne peut pas vraiment coller d’étiquette? Est-ce un « one shot » ou le début d’une nouvelle aventure? Superheavy marquera-t-il l’histoire du rock ou bien l’aura-t-on oublié dans 2 ans? Seul l’avenir nous le dira… Mais perso, j’ai pris du plaisir à l’écouter. Alors ça vous dit, on tente le coup?
Sorties albums: "Welcome 2 My Nightmare" – Alice Cooper
On l’attendait avec impatience, la suite du chef d’oeuvre d’Alice Cooper « Welcome To My Nightmare » – concept album de l’année 1975 – est sortie. Les suites sont rarement à la hauteur de l’oeuvre initiale… Alice Cooper a-t-il réussi à relever le défi? La réponse ici …
En 1975, Alice Cooper sortait « Welcome To My Nightmare », son premier album « solo ». En effet, il marquait le début d’une nouveau chapitre de la carrière du chanteur et la fin de ses aventures au sein du Alice Cooper Group, aux côtés des guitaristes Glen Buxton et Michael Bruce, du bassiste Dennis Dunaway et du batteur Neal Smith. Pour ses premiers pas en solo, Alice Cooper s’était appuyé sur la maitrise d’une excellent producteur, Bob Ezrin qui venait tout juste de sauver Lou Reed avec l’excellent Rock’n’Roll Animal, et qui lancera un plus tard la carrière de Peter Gabriel ou produira le mégalo et génial The Wall avec Pink Floyd. C’est donc aux côtés d’Ezrin et de son équipe de brillants musiciens de studio qu’Alice Cooper avait signé un de ses meilleurs albums Welcome To My Nightmare. Pour cette suite, Alice Cooper a décidé de renouer avec Ezrin avec qui il n’avait plus collaboré depuis quelques temps, ainsi qu’avec plusieurs de ses anciens collaborateurs qui avaient joué sur la pièce originale (les guitaristes Steve Hunter et Dick Wagner) ainsi que les membres survivants de l’Alice Cooper Group. Viennent s’ajouter également au casting de cette suite la ‘rappeuse’ Kesha, le fidèle disciple et ami Rob Zombie, le guitariste John 5 (Marilyn Manson, Rob Zombie) ou encore Vince Gill (star de la scène country US). On est donc dans un pur contexte de « superproduction » limite « too much » typiquement américaine. Alors, le résultat … Et bien, on ne peut pas dire qu’on peut retrouver ici un concept album clair comme celui présent sur le premier volet, il n’y a donc pas vraiment de lien entre chaque morceau, un des éléments qui faisait la force de « Welcome To My Nightmare ». On sent même que certains interludes – inspirés par l’oeuvre originale – ont été enregistrés et écrits un peu rapidement pour nous donner un semblant de cohérence. C’est probablement le problème principal du disque, c’est que s’il comporte quelques excellents titres (« I Am Made of You » – malgré l’effet « Cher époque Believe » sur la voix de Cooper qui fait très peur au début – « Caffeine » – le single très ‘stonesien’ « I’ll Bite Your Face Off », le très classique – dans le bon sens du terme – « A Runaway Train »), on ne comprend pas vraiment où Alice Cooper veut réellement en venir. Cela n’en fait pas un mauvais disque – loin de là – mais on peut être déçu par le fait que l’annonce de cette suite nous faisait attendre peut être quelque chose de plus ambitieux ou du moins de plus « construit ». Globalement on passe un bon moment (surtout si on exclut les quelques petites erreurs de goût que sont le trop kitch « Disco Bloodbath Boogie Fever » ou le duo inutile avec Kesha « What Baby Wants »). Les chanceux qui ont réussi à obtenir des places pour le concert le jeudi 14 novembre à l’AB auront l’occasion de voir le résultat en live, même si on sait qu’Alice Cooper consacre la plupart de ses sets live à ses anciens titres et rarement à ses nouvelles productions.
Cote: 3,5/5
A écouter d’abord/A télécharger sur iTunes:
- I Am Made of You
- Caffeine
- A Runaway Train
- Last Man on Earth
- I’ll Bite Your Face Off
Paul Personne sur scène et en coulisse
Le concert: (studio Classic 21 le 14 septembre 2011)
Le studio de Mons devient le Marquee Club l’espace d’une soirée…
Hier, dans le studio « live » de Classic 21, on aurait juré être au Marquee Club de Londres, légendaire club dans lequel les Yardbirds, Jimi Hendrix, les Who ou encore les Moody Blues ont fait leur débuts. C’est le guitariste français Paul Personne et son band « A l’ouest » qui ont insufflé cette ambiance 70’s à souhait dans la salle. Pendant l’interview qui a précédé le concert, Paul Personne nous a confié qu’il s’était mis à la guitare après avoir eu la révélation en écoutant l’album « Bluesbreakers with Eric Clapton », l’un des disques majeurs du british blues boom. Et Personne nous a prouvé qu’après plus de 40 ans de scène, il était resté fidèle à ses premiers amours. Quelques mots aussi sur ses musiciens : les frères Bellanger (Nicolas à la basse et Anthony à la guitare) et le batteur Brice Allanic. Ces jeunes ‘musicos’ nous évoquent tantôt Creedence Clearwater Revival – pour l’aspect rouleau compresseur de la section rythmique – et tantôt Derek & The Dominos – les brillants duels de guitares entre Paul Personne et Anthony Bellanger nous rappellent le duo Eric Clapton/Duane Allman. Bref, vous l’aurez compris, le concert de Paul Personne hier était « the place to be » pour tous les amateurs de bonne musique et de rock « roots »…
L’interview:
J’ai eu la chance d’interviewer Paul Personne un peu avant le concert. Interviewer Paul Personne, c’est le pied! C’est tout ce que l’on peut attendre d’une bonne interview: des anecdotes intéressantes, un artiste bourré de talent mais qui garde les pieds sur terre, un type qui reste humble alors qu’il pourrait se permettre de se la jouer…
Parfois, en interview, il y a une véritable complicité qui s’établit entre l’artiste et le journaliste, ce n’est pas systématique mais quand ça se produit, c’est agréable de se retrouver sur la même longueur d’onde. Ca a été le cas hier… En même temps, comment ne pas adhérer au discours d’un musicien intègre qui privilégie l’émotion et l’instant au ‘bidouillage’ du studio…? Pour lui ce qui compte, c’est une production « réelle », « véritable », le virtuel n’a pas beaucoup de place. De plus, quel plaisir de le voir arborer un énorme sourire d’ado quand il évoque Jimi Hendrix, Eric Clapton ou encore les Rolling Stones. Vous pourrez retrouver des extraits de son interview prochainement sur Classic 21. So, stay tuned…
Trésors cachés du rock: "Violent Femmes" (1983)
Imaginez un mélange entre folk et punk? Un peu comme si Fairport Convention et Jonathan Richman et ses Modern Lovers s’étaient retrouvés un peu par hasard en studio après une soirée particulièrement arrosée… « Violent Femmes », c’est un peu ça, un mix étonnant, venu d’ailleurs pour le plus grand plaisir de nos oreilles d’amateurs de bonne musique…
Violent Femmes voit le jour en 1980 à Milwaukee (Wisconsin). Au début, Violent Femmes est un duo articulé autour du bassiste Brian Ritchie et du percussionniste Victor DeLorenzo. Seulement, il leur manque alors cruellement un leader… Il vont le rencontrer quelques mois plus tard, en 1981, en la personne du chanteur/guitariste Gordon Gano. Après avoir constitué un solide set de quelques titres, le trio s’en va défendre sa musique atypique dans les rues de Milwaukee. Le groupe n’est pas spécialement bien reçu mais arrive à attirer l’attention de Chrissie Hynde et de ses Pretenders. C’est ainsi que Violent Femmes se voit proposer les premières parties des concerts du groupe, qui est alors au sommet de sa gloire. Le groupe ne tarde pas à se faire remarquer par un label de Los Angeles, Slash Records, spécialisé dans la scène punk. C’est ainsi qu’en juillet 1982, le trio entre en studio pour enregistrer leur premier album, simplement baptisé « Violent Femmes », chef d’oeuvre folk minimaliste ayant inspiré des personnalités comme Billy Corgan des Smashing Pumpkins ou encore Bob Dylan « himself » et qui gagne a être découvert ou redécouvert …
A télécharger sur iTunes pour se faire une idée: « Blister in the Sun » – « Add It Up » – « Prove My Love »
Tracklist complet:
- « Blister in the Sun »
- « Kiss Off »
- « Please Do Not Go »
- « Add It Up »
- « Confessions »
- « Prove My Love »
- « Promise » – 2:49
- « To the Kill » – 4:01
- « Gone Dady Gonne » – 3:06
- « Good Feeling » – 3:52
Le dimanche – jour sacré – et les titres rock qui en parlent …
Pour certains le dimanche est sacré, pour d’autres il est pourri parce qu’il marque la fin du week-end. On parle de « conducteur du dimanche », de « dimanche pourri » ou encore de « dimanche qui pue ». D’autres y voient le jour idéal pour se relaxer en passant sa journée dans un vieux peignoir Snoopy à regarder la télévision et à ne rien faire de constructif… En fait, que ce soit négativement ou positivement le dimanche fascine… Même certains musiciens s’y sont mis, voici un petit « article du dimanche » avec une sélection musicale adéquate:
- Velvet Underground: « Sunday Morning » – écrit par Lou Reed pour le célèbre album « à la banane » produit par Andy Warhol. A l’origine, c’est Nico qui devait interpréter le morceau mais, finalement, c’est Lou qui s’en est chargé en dernière minute, en s’inspirant de la façon de chanter du mannequin allemand.
- Queen – « Lazy On a Sunday Afternoon » (« Paresseux le dimanche après-midi ») – extrait du chef d’oeuvre « A Night At The Opera », cette composition de Freddie Mercury illustre parfaitement bien l’aspect « paresse » et détente de certains dimanches…
- Blur « Sunday Sunday » – l’hommage de Blur aux dimanches et son clip particulièrement délirant. A revoir …
- Nettement plus sérieux et pas drôle du tout, le « Sunday Bloody Sunday » de U2 fait référence aux tristement célèbres « Bloody Sunday », série d’événements violents qui se sont déroulés au Royaume Uni et en Irlande et ici principalement au « Bloody Sunday » (dimanche sanglant) qui a eu lieu le dimanche 20 janvier 1972 à Londonderry (Irlande du Nord) et durant lequel 14 manifestants pacifiques ont été abattus par l’armée britannique.
- Sonic Youth – Sunday : l’hommage des new-yorkais au dimanche avec Macaulay Culkin (l »enfant star’ des 90’s) devenu ado dans le clip.
- Enfin, beaucoup plus récemment, le français Maxim Nucci (mieux connu sous le pseudo de Yodelice) nous chantera les dimanche pourris à sa façon avec son « Sunday With a Flu »…
